Catalina Mejía

Entrevista con Catalina Mejía por Álvaro Álvarez
“Algunas veces se menciona que la teoría del arte sirve para generar ciertos parámetros que ayuden al espectador interpretar la obra” ¿Cuál seria la función de la teoría del arte y la critica del art en términos de la interpretación de la obra?
Comencemos por señalar la diferencia entre el teórico y el crítico de arte. Si tomamos a la teoría, vemos que es una práctica se ha transformado paulatinamente en un género literario como cualquier otro, donde el objeto de análisis es el arte. De igual manera esto ocurre en la filosofía, donde el tema u objeto de profundización es el hombre, la vida. En el campo del arte, aquellos teóricos que han realizado algún estudio, como el caso de Baudrillard o Heidegger, realmente no son estudiados en las facultades de arte. Hacen parte hacen seminarios principalmente de las de Literatura o Filosofía. Igualmente, la labor de los teóricos consiste en plantear problemas a partir de obras de artistas que ellos seleccionan, y terminan creando un género literario.
El crítico es una cosa totalmente distinta ya que posee una relación tanto con el artista como con el público. La labor del crítico no es otra que establecer un puente entre el público y la obra. En este hacer es que radica la principal diferencia entre el crítico del arte y el teórico. El primero logra hacer visible el mensaje que desarrolla el artista en su obra, mientras que el segundo se aferra a un tema donde solo busca realizar un ejercicio intelectual.
En ambos casos lo que se lograr es abrir nuevos canales para que las lecturas de las obras tengan nuevas interpretaciones. Lo importante es saber que la obra proporciona múltiples lectura, como el caso de García Márquez, cuya obra es interpretada por diversos puntos de vista. El caso de este escritor y en el arte en general, demuestra que existe una lectura que dictan los críticos y teóricos, la lectura que el mismo García Márquez brinda y aquella que parte de la experiencia del público con sus libros.
La obra logra su interpretación simplemente por medio del uso de distintos canales. Ya se había mencionado la definición que daban los críticos, aquella que da el artista y finalmente la del público. Una puede entrar por un canal racional, y otra puede que decida entrar por el canal emocional donde la relación con la obra se recibe como tal. En todo caso en una escala de valores no habría distinción entre cualquiera de las lecturas sobre la obra.
Para concluir, debemos comprender no se puede tener una lectura idéntica para todo el mundo. Cada persona procesa e interpreta de forma distinta. Siempre se deja la puerta abierta, y detrás de esta se encuentra un producto, un objeto, la obra de arte es aquello que en últimas genera respuestas. El crítico puede servir para que el público se entere sobre toda una gran cantidad de procesos que el artista lleva a cabo para realizar su obra, y así entender más. Por otro lado estaría la figura del teórico que abriría canales para realizar múltiples interpretaciones de la obra en relación con otras temáticas fuera del arte, y siempre estará la opinión y lectura del espectador que puede elegir si lee al crítico o al teórico, o sencillamente podría escoger leer la obra desde su propia perspectiva

Nicolas Rojas

¿En que momento se motivo a ser artista?

N.C. Toda la vida hice arte, cuando tome la decisión de seguir la carrera como artista fue después de ir al ejercito y haber comenzado diseño industrial y arquitectura en la Javeriana me di cuenta que no me gustaba mucho y me empezó a interesar el irme a estados unidos. Las universidades a las que aplique no tenían diseño ni arquitectura, así que decidí irme por el lado de la escultura y me termino gustando.

¿Existe una competencia Familiar?

N.C. Pues hay una competencia pero es una competencia sana, seria absurdo pensar que no hay, hay preocupación de poder hacer lago y de poder definirse a uno mismo, pero no es una cosa destructiva, no hay un afán de superar a otro.

¿Qué lo ha atado tanto a estados unidos?

N.C. Por varias razones, mi bisabuelos llevo a mi abuelo a educarse allá, mi abuelo volvió a Colombia se caso a mi abuela y cuando mi papa era pequeño mi abuelo repitió la historia y se lo llevo educarse allá también yo estudie en colegio bilingües, por esa tradición. Me interesa por que la formación allá es como la mas abierta en cuanto al arte y viene gente de todas partes a practicar el arte allá así que si uno quiere saber que esta pasando en el mundo nada mas es ir a N.Y eso puede pasar en Berlín pero no todo el mundo habla alemán, en cambio casi todo el mundo habla ingles y el que no sabe aprende a balbucearlo. Entonces hay influencias familiares, pero también de saber que esta pasando en el mundo.

¿Ve positivo o negativo el Arte contemporáneo colombiano? ¿por qué?

¿Que influencias cree haber tenido?

N.C. Yo creo que he tenido influencias visuales y también influencias de personas por su manera de ser por su amor a como trabajan.

Visual y conceptualmente me han influenciado artistas como Tony Oursler

aunque no este en mi obra, Tony Craig. Colombianos me interesan Doris Salcedo y algunos profesores de la universidad como Manolo Valdez en la manera de trabajar no tanto lo que hacia, yo traje 8 meses con el haciendo escultura, me influencio sobre todo en el amor al trabajo.

¿De donde surgen sus ideas? ¿Cómo es su proceso creativo?

N.C. Experiencias que e tenido, muchas veces de viajes.

¿Qué relación mantiene con la teoría (teóricos)?

N.C. Me interesa la teoría…… En cuanto se trata de descifrar algo… una imagen visual, pero mi interés es lo que voy descubriendo por mi mismo aunque si me interesa leer mucho otras cosas y que lo piensan otros artistas no me acojo mucho a eso, me interesan mas como teorías científicas.

¿Al realizar una obra esta pendiente o le interesa que polemicen lo teóricos acerca de esta? ¿por qué?

N.C. Si, si me interesa independiente si estoy de acuerdo o no, pero si me interesa lo que puede decir un critico o lo que puede decir una persona común y corriente que no tenga nada que ver con el arte pero que sea un simple observador por que el objetivo de la obra es crear comunicación, ya veré que acojo y que no de eso.

¿Cree que la teoría y la obra están atadas uno del otro?

N.C. A mi me parece que el arte debe tener un balance entre lo conceptual, entre lo que se piensa y la forma en la que se realiza lo que se piensa físicamente, sea un medio tridimensional o bidimensional, pero el como, la técnica que se usa para poder comunicar eso, por que tiene que haber algo personal y esa cosa que cada artista logra de cómo ve o lo que lo rodea y como lo representa. Si usa un material x, si usa un material como usa la pintura es muy importante, por que entonces nos podríamos sentar a escribir tablas teóricas como el critico que siempre quieren decirle al artista que hacer, el critico casi nunca puede trabajar algo materialmente y eso nos separa de ellos, que nosotros si lo podemos hacer, nosotros si podemos comunicarlo pero visualmente, y eso me parece muy importante. El artista debe hacer lo que el quiere hacer, debe tener su propia autonomía.

N.C. La verdad de una obra la da el tiempo, la historia.

Manuel Santana

Editada por: Diana García Lecompte

Entrevista a Manuel Santana

y el proyecto Echando Lápiz.

Manuel Santana y Graciela Duarte son dos artistas plásticos que analizaron la Expedición Botánica, como entidad que organizó diversos recorridos por los territorios de la Nueva Granada en el siglo XVIII, para nombrar y representar la flora por medio de dibujos. Estos diseños fueron usados para clasificar las diferentes especies de plantas y luego se dieron a conocer con el objetivo de conformar un sentido de pertenencia y una “identidad” nacional hegemónica. A partir del análisis de las formas de representación de la naturaleza y la ideología occidental que está detrás de la Expedición; los artistas hacen una analogía con la Expedición Botánica y con el proyecto porque los dos hacen recorridos por un espacio para dibujar y representar la flora y mantener unos conocimientos sobre los usos de los plantas.

Al entrevistar a Manuel Santana, fue posible entender las relaciones que los artistas establecieron entre el dibujo como forma de representación de unos saberes populares y ancestrales que hacen un grupo de personas que no están familiarizadas con nociones artísticas.

1¿Cuándo y por qué surgió el proyecto Echando Lápiz?

El proyecto, que aún está en proceso, surgió en el año 2000 ante la preocupación por establecer relaciones más cercanas y profundas con los vecinos del barrio Las Cruces, un sector deprimido en la ciudad de Bogotá. Como nunca tuvimos una relación directa con los vecinos y sólo teníamos imaginarios de ellos, quisimos armar una estrategia que tuviera que ver con ellos, tener y mantener contactos más duraderos que un simple saludo por las mañanas y por eso los convocamos para hacer reuniones constantes, para dibujar mientras entablábamos conversaciones sobre las experiencias, los problemas y las esperanzas individuales y compartidas. A través de dibujos de plantas creamos espacios para vincularnos y conocernos. Las personas dibujan plantas que tienen en la casa o que usan ocasionalmente con fines decorativos, medicinales o alimenticios. Con sus propios conocimientos, ellos anotan esas funciones con el fin de preservar una memoria colectiva y por lo tanto una identidad rural. Más adelante, el proyecto se ha expandido hacia otros sectores de la ciudad y las zonas para dibujar han sido parques y plazas, lo que permite también que las personas se apropien del espacio público y lo disfruten. Cada persona elabora una bitácora o diario donde exponen sus dibujos junto con una pequeña descripción de la planta, su nombre popular y algunos usos con el fin de rescatar una memoria popular y las relaciones de las personas con la naturaleza.

A pesar de que el proyecto es coordinado por artistas plásticos, las razones para realizarlo, su desarrollo y sus consecuencias no se limitan únicamente al ámbito de lo artístico, sino que traspasan hacia otros campos sociales como la integración y la movilidad social. Así, el proyecto es una práctica que mezcla lo artístico con lo social y produce una integración colectiva, la representación de una memoria popular y tradicional y el fortalecimiento de lazos de unión y apoyo entre las personas.

2. ¿Ustedes están apoyados por alguna institución del Estado o del Distrito como la Secretaría de Cultura y Turismo?

No, el proyecto no está apoyado por ninguna institución porque nos interesa mantener una autonomía sobre el proceso y sobre lo que acontece en el proceso. No nos interesa ninguna ayuda de entidades públicas o privadas, ayuda entendida como un presupuesto económico, porque creemos que las instituciones usan éste tipo de proyectos para fortalecer su propia imagen y al mismo tiempo generan una idea de que están haciendo algo por la sociedad. Nos interesa es generar vínculos y relaciones con las personas, saber que piensan las personas acerca de la ciudad y de su entorno sin importar la clase social. El proyecto se desarrolla a partir de estrategias sencillas como el dibujar, una actividad que no es exclusiva de los artistas, sino de cualquier persona en su cotidianidad. Así, es posible generar espacios creativos con pocos recursos económicos. Hemos accedido a algunos recursos por premios o reconocimientos que nos han dado y hemos expuesto nuestro trabajo en la Galería Santa Fe y muchos otros contextos diferentes a los espacios tradicionales para el arte.

El proyecto está más orientado hacia el arte como un factor de movilidad e integración social que hacia las nociones estéticas que tradicionalmente han caracterizado a las producciones artísticas. En este proyecto, el artista es un trabajador social que puede intervenir en una comunidad, no sólo por medio de su obra de arte, sino también por medio de diferentes prácticas interdisciplinarias con una finalidad de mejorar aspectos sociales y urbanos. Así, el artista puede ser un actor social que facilita la creación de espacios donde es posible modificar la naturaleza urbana y las relaciones entre otras personas.